En el váter, con la frente marchita.

Una visita al pueblo donde se aposentan tus raíces puede proporcionar sensaciones extremas y encontradas. Dicha visita puede ser tomada como una auténtica tortura o como una motivación para la diversión y la fascinación. Pronto te ves inmerso entre señoras que cotorrean sobre quién ha pasado ya a mejor vida y consecuentemente, sobre quién ha quedado viuda, infidelidades, la meteorología, los maridos... Recuerdos y tradiciones. Cementerios. Cánticos rurales. Repetidos besos en las mejillas que como vestigio, dejan agudos pitidos en el tímpano. Y las apariciones de antepasados.

Creedme, no hay nada tan endiabladamente divertido como escuchar un discurso pronunciado por una prima perdida en el árbol genealógico de uno sobre las presencias extrañas que recibe cuando está en el baño. Susurros de voces conocidas pero ya muertas que se hacen presentes justo cuando la señora expulsa lo digerido. Cuando defeca. Además, dichas voces no vienen tan sólo con la intención de incordiar en el momento más íntimo de esa prima lejana, sino con el objetivo de avisar de algo negativo, algo terrible. Sin embargo más divertido es interpretar el papel de embelesado y otorgarle toda la atención que en ese momento necesita y requiere.

Donde hay una prima, hay una tía también perdida por ese árbol genealógico. Cuando a esa tía parece que le ocurre lo que la presencia sobrenatural le ha anunciado a esa prima, es cuando esta última decide a contar su historia. Y consecuentemente, a que el resto de la familia se entere de su poder. Aún dudo sobre si mentía o su tremenda, opresiva y acongojante convicción hacía que sus oídos pudieran captar los sonidos emitidos en el mundo de lo infrahumano.

Crítica: "Un cuento chino" La vida es un absurdo. Un completo sinsentido.

Crítica para la revista de cine online Encadenados.

Categoría: Cine. Tema del reto: Películas en la que dos personajes totalmente opuestos acaban inmersos en una profunda amistad. Un, dos, tres, responda otra vez (es entonces cuando los concursantes empiezan apresuradamente a contestar y sus tics nerviosos a aflorar). Un niño explorador y un anciano vendedor de globos, Up. Otra anciana, esta vez de carne y hueso, aficionada a la lectura y Gérard Depardieu, Mis tardes con Margueritte. Una fina y republicana madre coraje y un adolescente afroamericano sin techo, The Blind Side. Un titulado universitario con síndrome de Down y su compañera de trabajo, Yo, también. Un argentino irascible y devoto ferretero y un desesperado chino perdido por el mundo, Un cuento chino


La vida de Roberto (Ricardo Darín) es un gran mecanismo programado. Sumergido en su vida profesional, en su ferretería, en el número exacto de sus tornillos y en la exactitud de sus horas de sueño. Definido literalmente por Mari (Muriel Santa Ana), vecina profundamente enamorada de él, como gruñón, ermitaño, sensible, bueno y valiente. La vida de Roberto se ve brutalmente alterada cuando Jun entra de forma tan brusca, repentina y aleatoria en ella. La exasperante situación de Jun (Ignacio Huang) impide que Roberto sea capaz de expulsarlo de su casa a pesar de las tremendas diferencias que aparentemente les separan.

Estas marcadas diferencias entre dos personajes principales de una película son siempre muy atractivas de diseccionar, a pesar de que Un cuento chino se mueve dentro de la convencionalidad, al menos, en la trama que más contrasta las diferencias entre los personajes: La convivencia entre ambos y el particular movimiento “en busca y captura” hacia el tío de Jun. El acierto viene sin duda cuando la extraña afición de Roberto entra en juego.

"El árbol" de Julie Bertuccelli. No es un árbol. ¡Es un pulpo!

Crítica para la revista de cine Encadenados

Un pulpo. Así es cómo denomina uno de los personajes secundarios a la higuera protagonista en la cita más anticlímax de la última película de la francesa Julie Bertuccelli. Y no sólo porque sus raíces se enredan como tentáculos en las cañerías de este personaje, sino porque a su vez, su presencia y cada una de sus ramas se enmarañan en la vida de Dawn y sus cuatro hijos. Los O’Neil tendrán que afrontar la reciente pérdida de Peter, su esposo y padre.

Un tenue choque frontal de un coche contra un tronco es suficiente para que este árbol se convierta en la efigie de Peter (Aiden Young), en la reencarnación de su espíritu. O al menos así es para Simone (Morgana Davies) y para la propia Dawn (Charlotte Gainsbourg) que se adentra en la ensoñación de su hija. Ese breve contacto con el árbol sirve de nexo ficticio entre la materia y la esencia de Peter. A su vez, esa gigantesca higuera será el vínculo fantástico entre el padre y la vida de su familia posterior a su fallecimiento.

La iconicidad del árbol es lo que sustenta enteramente la trama de una película que aparentemente no va hacia ningún lado. Pero el hecho de que se extienda sin miedo en sus encuadres dedicados al paisaje australiano o dedique largos primeros planos a sus dos protagonistas femeninas no impide que el filme verdaderamente evolucione.

"Midnight In Paris". Inédita forma de ensalzar París.

Como viene siendo habitual, y con una satisfactoria periodicidad insaciable, Woody Allen estrena nueva película. De nuevo, una capital europea bautiza su título. París. Y una vez más, al igual que ya hizo en Vicky Cristina Barcelona exalta los estereotipos bellos y positivos de la ciudad. La Torre Eiffel, Marion Cotillard, Carla Bruni, planos y estampas casi paradisíacas... ¿Qué hay de malo en resaltar los clichés si vienen acompañados de una historia tan mágica y una cinematografía tan bella como la de Midnight In Paris?

Owen Wilson encarna a Gil (prácticamente una calcamonía de la personalidad de Woody Allen en la primera etapa de su cine), un escritor cansado de su vacía vida norteamericana. Junto a Inez (radiante Rachel McAdams), su prometida, y los padres de ésta se embarcan en un viaje a París. Será en esta ciudad donde Gil empiece a programar su futuro, un planteamiento que se consolida tras descubrir cada medianoche en sus paseos nocturnos, la panacea de su vida.

'Cuando Crecen las Flores', lo más destacado de la 'Jornada de Jóvenes Realizadores Menores de 21'

26 de Abril. Facultad de Ciencias de Información de la Universidad Complutense de Madrid. Es llevada a cabo una proyección de cortos. Sólo eran emitidos los cortos cuyos directores no sobrepasaran los 21 años en el momento de la realización. Tras una sucesión de piezas amateur que despiertan ahogadas carcajadas sonrisas y risas en los espectadores (y no precisamente por aspectos positivos), es proyectada la pequeña joya del festival. Y no, no me refiero al que se supone invitado de honor, Fran Casanova, con su corto "Indiana Jones y la búsqueda del Ídolo Perdido" - apenas entretenido para todos aquellos que no han visto cada película de la famosa saga al menos cuarenta veces-. De hecho... ¿No se suponía que los cortos eran hechos por personas de menos de 21 años? Yo hubiera recomendado a este realizador haber mostrado el que hizo a esa edad y no promocionar una producción efectuada con unos cuantos tacos más...

Pero me desvío del tema, esa pequeña joya por la que ya hubiera merecido el pase a la proyección (y de hecho debería haber sido premiada con una asistencia mucho mayor en el patio de butacas) fue el cortometraje dirigido por Ricardo Yebra, 'Cuando Crecen las Flores' (espero que Yaiza de Canarias y su parodia sobre la violencia de género me perdonen).

"Una historia narrada más que con hechos, con sentimientos", así define Ricardo Yebra Cuando Crecen las Flores, primera producción perteneciente a un bloque de cuatro cortometrajes (el segundo ya está en el horno).

A pesar de que el teaser deja al espectador con una sensación algo confusa, la que se obtiene después de visionar el cortometraje completo es radicalmente más plena.

Una iluminación y fotografía que ya les gustaría a muchas producciones nacionales que llegan a las grandes pantallas, de la mano de Javier Horcajada. Contrastes cálidos y fríos que encajan a la perfección con la historia.

El punto de confusión que otorga Ricardo Yebra a la historia es prácticamente vital, ya que posiblemente de no ser así, 'Cuando Crecen las Flores' pasaría a ser "un corto más". La edición de Fran Rubio también es uno de los puntos fuertes del corto, con un equilibrio bastante acertado entre los "flashbacks" y el tiempo presente.

También es imprescindible mencionar a los dos actores protagonistas, Lolo Martín y Caro Olmedo, que consiguen una conexión (en todas las acepciones posibles de la palabra) básica para que lo que acontezca en pantalla pueda traspasarla y tocar, de alguna forma, al espectador. Además, según el director, el trabajo previo con los actores fue bastante intenso. No se conocían de forma previa al cortometraje, y comparten escenas muy comprometidas.

La música original, de Javier Flores, es otro de los elementos fundamentales que ayudan a que el espectador sea absorbido por el corto. Se nota que cada aspecto de Cuando Crecen las Flores ha sido muy mimado.

Prometedor.

Absortos Parecidos Razonables (I)

Ahora es cuando la respuesta del público es... "Ni un aire". Pero cuando vi La Parada de los Monstruos (Freaks), no paraba de pensar que uno de los Pinhead (Elvira Snow) era exactamente igual, clavadita al personaje de Leslie Winkle, interpretada por Sara Gilbert, de The Big Bang Theory.

¿Parecido rebuscado?... Quizá. Quizá no.

¡Qué Festín!

Muchas veces el hecho de que te guste o no una película viene determinado por muchas circunstancias ajenas a la película. La concordancia entre el estado de ánimo del espectador y el tono de la película, el espacio en el que se visualiza, o la actitud de tus acompañantes.

Hace unos días vi "Festen" (Celebración), una película danesa de 1998 en unas condiciones bastante... Digamos malas. Con mi portátil y mis auriculares en el nada silencioso comedor de mi residencia universitaria, en ocasiones la proyección era interrumpida al encontrarme con algún conocido o amigo.

Sin embargo, pese a todo, la película me pareció que destilaba cierta brillantez sin considerarla una de las piezas cinematográficas que más afinidad tienen con mis gustos. De hecho, muchos la califican como el inicio del resurgimiento del cine danés.

Me llamó la atención nada más ver el poster. Ese fondo negro que presenta a un elenco tan serio y tan europeo con la palabra "Celebración" combinado con las altas notas medias en las "redes sociales de cine" así como con el respaldo de la crítica... Me atrajo de forma bastante intensa.

Sería absurdo ir más allá de la sinopsis principal de Festen: En el 60 cumpleaños de Helge, éste decide invitar a sus hijos y a sus amigos a la asistencia de una elegante cena en su mansión, en la cuál una incómoda revelación será llevada a cabo.

Es una de estas películas cuya idea principal puede resumirse en un cortometraje. La potencia de Festen se justifica tan sólo en esa mencionada revelación que se convierte en el eje principal para las virguerías y fantasías tanto escénicas como técnicas de su director.

Es difícil ponerle una etiqueta a esta película, pero definitivamente la encasillaría dentro del género de la comedia. Ligeramente perturbadora, pero comedia. El drama que supone el giro argumental de la película deja de ser tal cuando observas la reacción ante la misma, indudablemente cómica. Eso sí, absolutamente nada que ver con películas (también geniales) como La Cena de los Idiotas

El surrealismo y la mala leche se adueñan de las mejores escenas de la película. Una de las escenas que cuentan con ambos ingredientes es ésta, además el tema del racismo está muy inteligentemente tratado con la presencia de Gbatokai. Aunque aporte más bien poco a la trama principal de la película, sí brinda algunos de los mejores momentos de la película. Sin mostrar ningún elemento explícito, el director consigue que los comensales de la cena protagonista provoquen verdadera repugnancia.

- Quiero darle una cálida bienvenida a Gonzáles // - Mamá, se llama Gbatokai // - Eh... Sí.

Es importante contextualizar el movimiento cinematográfico en el que se inserta esta película. El Dogma, de 1995. El estilo danés impulsado por Lars Von Trier y Thomas Vinterberg (director de Festen) busca traer los "valores tradicionales del modo de contar historias en el cine". La cámara al hombro. La prohibición de música extradiegética, es decir aquélla que no proviene de las imágenes que se muestran en la pantalla. No se puede grabar en escenarios o decorados. Importa la fidelidad a la tecnología, nada de saltos temporales

La crítica que ofrece Celebración (más allá de las estrechas relaciones familiares que resultan no serlo tanto) se centra en la excesiva comodidad de la pasividad. Una pasiva esposa, madre y abuela que finge que todo en su mundo es perfecto aún cuando todo ante sus narices es obviamente podrido; La pasividad de unos invitados que aún siendo testigos de "revelaciones" tan importantes, tras un inicial sobresalto, acaban riendo y jugando en la siguiente escena.

Se parodia llevando al extremo la condición del ser humano en la que es más feliz disfrutando en una fantasía paralela a la realidad.

En conclusión, "Festen" es desde mi punto de vista una obra altamente recomendada. La película ideal para ver con los niños en su cumpleaños o en Navidad con toda la familia.

Exclusiva: Entrevista a Gabriel Álvarez, experto en el appeal de Disney.

He tenido la inmensa suerte de mantener una conversación con Gabriel Álvarez sobre la temática Disney. Pero, en realidad ¿quién es Gabriel Álvarez?... Él ha sido el responsable de despertar una sonrisa a todos esos rostros mustios que se preocupan en demasía de temas actuales, sí, pero descorazonadores. Ha hecho olvidar por un momento asuntos como la política, la economía o las frustraciones amorosas, sacando a flote un tema cuanto menos olvidado:

Los mitos sexuales de Disney. Aquellos personajes de animación que observábamos con inocencia de niños y que poco a poco han ido embaucando a sus espectadores, excitando y avivando algo más en ellos.

Procedamos con la entrevista:

MrJotaBe: ¿Cómo cree, Gabriel, que han influido los clásicos Disney en la población? Los espectadores están... ¿Manipulados? ¿Conquistados? ¿Violentados quizá?

Gabriel Álvarez: Creo que los clásicos de Disney han formado más a la sociedad que toda la ESO y el Bachillerato juntos. Y considero que con la fusión que hicieron Disney y Pixar y todas sus películas, estamos en pleno posgrado.

Respondiendo a tu pregunta. Sí, manipulados. Sí, conquistados. Sí, violentados. Pero es que si no, no seríamos nosotros mismos.

JB: ¿Por qué decidió emprender una encuesta sobre los personajes femeninos más sexys y los maromos más potentes de esta productora cinematográfica?

GA: Aproveché la coyuntura causada por los alumnos de segundo, que nos ametrellaban con encuestas, para así dar al pública una encuesta que estaban deseando realizar, pero que nadie les hacía por miedo al qué dirán, miedo que si eres un fan de Disney no existe.

JB: ¿El feedback obtenido por los encuestados fue positiva? ¿Alguien se llevó las manos a la cabeza?

GA: La respuesta fue tremenda. Incluso personas que se declaran abiertamente heterosexuales rellenaron las casillas tanto de chicas como de chicos, y antes del primer día se copó el cupo y tuvimos que aumentar la capacidad para rellenar. La verdad es que hubo mucha gente que no entendía cómo se podía poner una leona o un elefante en la lista de maromos o chicas, pero ésa es la magia de Disney.

JB: ¿Algún resultado o mensaje obtenido que le haya parecido especialmente llamativo o curioso?

GA: Después de ver cómo los príncipes eran asiduos en las primeras posiciones, una chica puso a Quaismodo, Dumbo y Pinocho. Me extrañó, pero no me sobresaltó.

JB: ¡Mójese! ¡Sea atrevido! y díganos su TOP 5 de hotties animados tanto de chicos como de chicas.

GA: Mis chicas: Megara, Jasmine, (Aviso de Spoiler) Rapunzel con pelo corto (Fin de Spoiler), Jane y Nala

Mis chicos: Peter Pan, Aladdin, Hércules, Buzz y Simba.

JB: Prácticamente ya era universalmente conocida su predilección por Megara. ¿Qué tiene este personaje que le atrae tanto en todos los niveles?

GA: Creo que es una combinación de belleza y carácter. Pero sobre todo que aún no siendo una diosa como la mayoría de los personajes de esa película, sí tiene magia (puking rainbows)

JB: ¡Tírese de nuevo a la piscina! y dígame tres películas de Disney que prefiera desechar de su colección. Siento profundamente si esta pregunta puede causarle alguna molesta o indignación. Pero es la vena periodística que me late, y fuerte.

GA: Puede parecer una contradicción, pero mi primer descarte es Bambi. Mi segundo descarte (aunque la película en sí me gustó) es Pocahontas 2, creo que se carga la primera y por último Peter Pan 2, buena banda sonora pero la veo muy innecesaria. El final de la primera era perfecto. Es como si me haces un Robin Hood 2.

JB: Ha llegado a las fuentes de MrJotaBeDice la existencia fuertes detractores ante tal encuesta, así como personas ofendidas ante los debates derivados de ésta. Según ellos, es inmoral hablar así... ¡De dibujos! ¿Tiene algo que decir al respecto?

GA: A ellos nada. Pero lo siento mucho por sus hijos cuando a los 3 años vean programas de economía en vez de Monstruos S.A.

JB: Tod y Toby, Bambi y el Rey León. Tres películas con posiblemente las escenas más emocionantes. ¿Cuál le hizo vibrar la parte más sensible de su corazón?

GA: Sin duda El Rey León. Todas y cada una de las veces que la veo y en varias escenas...

JB: ¿Qué opina de la leyenda urbana que dicta la criogenización de Walt Disney cuando verdaderamente sus cenizas reposan en un parque cercano a Los Angeles?

GA: Cada uno imagina y cree lo que quiere. ¿Acaso tú te crees que lo de Alicia fue un sueño?

JB: Hablemos de proyectos de futuro. ¿Tiene preparado algún otro tipo de cuestionario sobre este mundo?

GA: Tengo en el horno la encuesta de "Maromo y Chicas TOP que no sean de Disney". Como primicia les diré a los lectores de MrJotaBeDice que Ahsley A (La Banda del Patio) está la quinta en mi lista y las otras cuatro por orden alfabético (que no orden TOP) son Anastasia, Isabella (Phineas y Ferb), Kim Possible y Misty.

JB: Pues le agradezco su participación en el blog. No sabe lo rica que me ha resultado su aportación.

GA: Mando un saludo muy grande a todos los lectores y seguidores de MrJotaBeDice y les digo que ver dibujos no es cosa de críos y que si se sigue la línea que sigue este blog, se llegará más lejos que si se lee el periódico

PD: Quiero romper una lanza en favor de la Warner Bros y decir que Space Jam y La Princesa Cisne. Ambas están en mi TOP 10 de películas a pesar de no ser de Disney... :)

Connie Marble

Supongo que sólo hay dos tipos de personas, Señorita Sandstone: Mi tipo de persona y los gilipollas. Es bastante obvia cuál es la categoría a la que usted pertenece. Que tenga un buen día

Hoy ha llegado el día. Al fin he visto Pink Flamingos  Película que sólo conocía por estar dirigida por el controvertido director John Waters, por ser el icono de la contracultura americana, por estar protagonizada por un travesti y por la famosa secuencia de la caca de perro. Sin embargo, no escribo aquí para hacer un análisis de la película, sino de uno de sus personajes concretamente...

Connie Marble. La madre de la especie zorril. La antagonista de Devine AKA Babs Johnson. Si Connie Marble tuviese un cuenta de Twitter, resumiría su perfil en menos de 160 carácteres de la siguiente forma: Vendo bebés a lesbianas a buen precio. Y supero en mugre y suciedad a Devine. También me encanta comer pies. (Vaya... Se me han adelantado en la idea)

Desde la primera vez que aparece este personaje en escena, se ha ganado mi fascinación (y repugnancia a la vez). Junto con su pareja, Raymond Marble, tiene una preocupante obsesión por convertirse en "the filthiest person in the world", puesto al que actualmente ostenta nuestra "heroína", protagonista de la película. Para conseguir arrebatarle el puesto tiene un negocio que consiste en secuestrar a mujeres (usualmente autoestopistas). Estas mujeres son secuestradas y embarazadas por Channing, un homosexual armarizado que dice ser forzado y obligado a hacer estos encargos (una de sus aficiones es travestirse e imitar a su ama, la protagonista del post). Tras nueve meses secuestradas en el sótano, las mujeres dan a luz, mueren el parto y sus bebés son entregados a parejas de lesbianas.
Además, contrata a chicas (las cuáles nunca llegan a ver el prometido dinero) para que se infiltren en el entorno de Divine, y así obtener información que tanto ella como su Marblebomboncito puedan usar en su contra.

En aspectos generales. Una perra de cuidado.

En esta vida todo el mundo tiene su público. Y todo el mundo puede causar envidias. El hecho de que esta mujer tuviera esa envidia desproporcionada, obsesiva y enfermiza por un travestido que compra filetes crudos de carne para ponérselos entre las piernas y cuya madre (amante de los huevos) discapacitada vive en una cuna casi desnuda... Hacen de esta mujer, teñida de naranja/rojo chillón, digna de análisis.

Tremenda la escena en la que la pareja Marble se encuentran lamiendo, adorando y zampándose los pies mutuamente. Impagable.

Oh, I love you, Raymond. I love you more than anything in this whole world. I love you more than my own filthiness, more than my own hair color. Oh God, I love you more than the sound of bones breaking, the sound of death rattle - even more than the sound of my own shit do I love you Raymond.

La actriz que dio vida a Connie Marble es Mink Stole que sigue dedicándose al mundo de la interpretación. Una de sus más recientes entrevistas sobre su personaje en Pink Flamingos aquí.

En el siguiente vídeo observamos cómo despacha a una de sus súbditas de una forma que sólo ella podría hacer.

Todos Somos Dawn Wiener

Bienvenidos a la casa de las muñecas. No, no es la película patrocinada por Playboy y protagonizada por Paris Hilton. Sino que nos encontramos ante el título de la supuesta ópera prima de uno de mis directores favoritos: Todd Solondz. (Digo supuesta porque el propio director reniega de su verdadera ópera prima)
Película que relata la vida de Dawn Wiener, la cuál parece no tener una sóla cualidad socialmente aceptada como "positiva". Tímida, cohibida, verdaderamente no muy guapa, denostada por profesores, compañeros y padres. Nadie parece sentir compasión por Dawn (espectacularmente interpretada por Heather Matarazzo, actriz que ha declarado varias veces la influencia tan grande que ha tenido en ella su personaje). Ni siquiera el propio director, que no sólo contento con hacer sufrir a su personaje, utiliza ese sufrimiento para crear un humor negro ,muy negro, negrísimo, hasta extremos en los que la palabra "violación" protagoniza uno de los pasajes más incómodamente divertidos de la película. También constituye un personaje que por otro lado, Todd Solondz creó como autorretrato de sí mismo.

Lo que ocurre es que es en muchos casos, la línea que separa el buen humor del mal gusto es tremendamente delgada, y el hecho de que tanto la película como el personaje anden con tal equilibrio por encima de esta línea es lo que convierte a Dawn Wiener en un personaje tan memorable.

¿Pero dónde reside la genialidad de este personaje? En el hecho de que sea tan sencillo identificarse con ella (¿quién no se ha sentido alguna vez fuera de lugar por muy popu, atractivo o inteligente que fuese?) y a la vez den tantas ganas de convertirse en uno de los personajes que la acosan. Porque sí, Dawn Wiener es repelente, como ella sola. Pero esa repelencia que se gana a pulso (desde el principio trata a aquéllos sobre los que tiene poder con las mismas malas formas con las que ella es tratada durante toda la película) la hacen adorable a la vez.

Que nadie espere un final feliz para este personaje. Es la hija mediana de tres hermanos en los que el favoritismo hacia ellos es descarado y repugnante (al personaje de la madre de Dawn sí que dan ganas de patearle la cara ya que, ya que este personaje se podría definir con las palabras "verdadera zorrona"). Está enamorada de un guaperas que parece tirarse todo lo que se mueve menos a ella, aunque este personaje sea posiblemente el que mejor se comporte con ella durante la película. Su hermana pequeña, ideal de la perfección y aspirante a bailarina de ballet la eclipsa en absolutamente todos los ámbitos. Amenazada de violación. Acosada y agredida por sus compañeros de clase siendo víctima de insultos diarios. En lo único en lo que a veces su tiempo libre es en tocar el piano, pero por mucho que se esfuerce y ponga sentimientos, nadie repara en ella ya que no es demasiado buena.


Si al final dan ganas de darle un abrazo y decirle: "Todo va a ir bien. Todo te irá mejor en la vida"... ¿Pero para qué mentirle a Dawn? Ella misma sabe lo que hay y no parece que espere nada mejor. Muy grande la mención al personaje en el cuarto filme de Todd Solondz, "Palíndromos", en la primera escena de dicho título en la que por fin nos enteramos de lo que verdaderamente ocurrió con Dawn Wiener (haz click aquí si quieres mutilarte a spoilers).

Son innumerables la cantidad de escenas que derrochan genialidad a lo largo de los minutos de Welcome to the Dollhouse. Pero esa primera escena en la que Dawn coge su bandeja en el comedor del instituto, se queda de pie, completamente inmóvil a observar una a una las mesas de sus compañeros es simplemente brillante.

Me gustaría profundizar en la relación entre el personaje de Dawn Wiener y la propia actriz Heather Matarazzo. El hecho de que le haya afectado de tal forma el personaje ha conllevado a que su carrera cinematográfica haya caído en picado. Por la simple razón de alejarse de ese oscuro humor del cine independiente y escudarse en un tipo de películas de índole más inocente. De hecho, seguramente la mayoría la conozcáis como la "mejor amiga" de Anne Hathaway, la prota de Princesa Por Sorpresa o por aquella chica que muere en Hostel 2.
Además, el primer beso de la actriz no fue como Heather Matarazzo, sino como Dawn Wiener, es decir que lo tuvo interpretando a su personaje. Algo verdaderamente chocante. Otra escena que me hace pensar mucho en el impacto provocado en la actriz, es que cómo influyó en Heather Matarazzo el momento en el que está sentada en el comedor y vienen las compis "chachiguays" vestidas de animadoras y empiezan a cantarle en tono burlón "Lesbo, lesbo, lesbo", cuando ahora la actriz reconoce abiertamente su sexualidad.

Es una película bastante cruda, pero indispensable. Por lo que tan sólo puedo recomendarla, aunque eso sí, es posible que algún sector del público la encuentre de mal gusto. No saben lo que se pierden.

Y aquí el momento que hace honor al título de la película. Ojalá pudiera bailar yo así.

Freaks

"En los tiempos antiguos cualquier cosa que se desviara de lo normal era considerado un presagio de mala suerte o representación del mal. Los dioses del infortunio y la adversidad se representaban invariablemente con formas monstruosas y los actos de injusticia y privación se atribuían a los numerosos tiranos tullidos y deformes de Europa y Asia.

En historia, religión, folklore y literatura abundan cuentos sobre inadaptados deformes que han alterado el curso del mundo. Goliat, Caliban, Frankenstein, Gloucester, Tom Thub y el Káiser Guillermo son algunos de ellos, cuya fama es mundial.

Si por casualidad alguno de estos monstruos sobrevivía, siempre era contemplado con recelo. La sociedad lo rechazaba por su deformidad y su familia siempre se avergonzaba por la maldición que había caído sobre ella.

El amor a la belleza es un deseo asentado de forma abisal y recóndita que se remonta a los inicios de la civilización. La repulsión con la que es mirado lo anormal, lo malformado y lo mutilado es el resultado del largo condicionamiento de nuestros antepasados. La mayor parte de los propios monstruos está dotada de pensamientos y sentimientos normales.

Son forzados a la más anormal de las existencias. Por lo tanto, han establecido entre ellos un código ético para protegerse de los dardos, de los ataques de la gente "normal". Se aferran rígidamente a sus reglas y el dolor de uno es el dolor de todos; la alegría de uno es la alegría de todos.

Con humildad por las muchas injusticias cometidas contra tales personas, (no tienen poder para controlar su suerte), presentamos la más sobrecogedora historia de terror sobre lo anormal y los no deseados."

Este es el comienzo de la película Freaks: La Parada de los Monstruos, dirigida por el controvertido y polémico Tod Browning, apasionado de lo excéntrico, lo extraordinario y lo insólito. Posiblemente director de una de las películas más valientes y polémicas jamás filmadas.

Vendida como un filme de terror (es ciertamente triste pensar que la gente salía horrorizada y asqueada del cine tras su filmación... y más triste es pensar que posiblemente también pase lo mismo en la actualidad), el único pasaje verdaderamente cercano al género se condensa en un minuto cercano al final de la película. Lo que sí atesora es mucho humor negro (la escena del banquete, el pavo real...) y altas dosis de sensibilidad, eso sí, dosificada.

La película es una recreación de un circo de seres extraños, dirigidos y acogidos por Madame Tetrallini donde se analizan las relaciones entre ellos con un conflicto principal de fondo: ¿Es posible una relación entre un enano y una mujer "normal" o sólo importa el interés económico?

Son muchas las cuestiones sobre las que Freaks hace pensar y parece evidente que ha sido fuente directa de inspiración de cortometrajes como El Circo de la Mariposa, (famoso por sus excesos de edulcorante) o de directores como Todd Solondz (éste sí, siguiendo la estela de humor negro de Tod Browning).

Sin embargo, a pesar de que con el tiempo se ha ido convirtiendo en una pieza de culto (por el momento es una de mis películas favoritas), en 1932 no lo tuvo nada fácil...

Incluso la mujer barbuda de la película, al contrario que sus compañeros de reparto, Olga Roderick, juró no volver a trabar en Hollywood y lamentó profundamente su participación en el film de Browning, al que consideraba un insulto para los freaks de todo el mundo.

A pesar de lo que supuso la exposición de las discapacidades e los actores, lo que sí está claro es que éstas sirvieron para aumentar la potencia de la transmisión del mensaje de la película... O más bien que de la película, de la reacción de sus espectadores.

¿"Freaks" es terror? Basta recordar que el dolor de uno es el dolor de todos, así que cuando los "freaks" se cabrean, sus actos sí que podrían definirse como bastante temibles.

Aquí algunas de las críticas recibidas en 1932 a la película.

THE WASHINGTON POST (20-02-1932).

- Las mujeres piden a la policía que se censure 'Freaks'. La película ha sido considerada demasiado horripilante por el Consejero de Rhode Island en Pro de Mejores Películas, una asociación de mujeres, y éstas han hecho llegar su protesta al capitán George W. Cowan, censor de la policía, en un intento de censurar el film. Sin embargo, en opinión del capitán Cowan, que aseguró haber visto la película tres veces, no hay nada reprobable en 'Freaks'.

MOTION PICTURE DAILY (11-04-1932).

- Aborrecible, obscena, grotesca y extravagante.

HOLLYWOOD HERALD (08-03-1932).

- 'Freaks' trasciende la fascinación de lo horrible, dejando al espectador consternado.

ATLANTA JOURNAL (19-02-1932).

- No hay excusa para esta película. Su producción ha requerido una mente débil, y su contemplación requiere un estómago fuerte. El motivo por el cual ha sido realizado es ganar dinero. El motivo por el cual se fabricó el alcohol fue ganar dinero. Los intereses de la industria del alcohol permitieron que estas circunstancias relacionadas con su negocio fuesen tan vergonzosas como para traernosl a prohibición. Con 'Freaks' el cine da su gran paso hacia la censura nacional. Si al final la consiguen, sólo podrán reprochárselo a ellos mismos.

KANSAS CITY STAR (08-08-1932).

El resultado de esta movilización en la prensa fue la censura completa del film en ciudades como Nueva York. Más lejos llegaron los británicos, prohibiendo su exhibición en todo el territorio de su graciosa Majestad. La película, cuya producción había precisado 316.000 dólares, sólo recaudó 164.000.